Six peintures, deux sculptures et un précieux carnet de dessins. Une poignée d’œuvres d’art confidentielles signées de la main du maître espagnol Pablo Picasso entre 1895 et 1971 marquent le point de départ de cette incroyable double exposition.

Un événement, deux expositions concomitantes. D’une part, la dation faite par MayaPicasso, la première fille du peintre, qu’il a eu avec la jeune et blonde Marie-Thérèse Walter, rencontrée en 1927. D’autre part, une exposition centrée sur les portraits de Maya, réalisés par Picasso pendant toute l’enfance et la jeunesse de celle-ci.

Maya Picasso, a eu une fille, Diana Widemaier-Ruiz Picasso. Pour financer en nature ses droits de succession, cette dernière a usé du dispositif de la dation, permettant ainsi à neuf nouveaux chefs-d’œuvre de rejoindre les collections du musée national Picasso. Pour célébrer leur entrée, l’institution dédie à ce corpus et son histoire deux expositions, « Nouveaux chefs-d’œuvre.

L’exposition est tout en intimité, en tendresse, en retenue, et s’interrompt au moment même de la rupture de Maya et Picasso, lorsqu’elle lui explique qu’elle veut voler désormais de ses propres ailes. Son ogre de père n’était pas prêt de l’accepter. Elle apprit sa mort par le journal télévisé.

Cette exposition retrace les œuvres de l’artiste arborigène qui porte le même nom que l’expo, et qui représentent son île natale, le nord de l'Australie, l'histoire de sa communauté ; les Kaiadilt, ses croyances... C’est la première fois que cette exposition est emmenée en dehors de l’Australie.

« Les Choses » est une exposition d’un genre que les musées français cultivent trop peu : une réflexion qui n’obéit ni à la chronologie des époques ni à la géographie des villes ou des nations. Il ne s’agit pas d’une « histoire de la nature morte », quoique le sous-titre le prétende étrangement, mais de bien mieux, et de bien plus : examiner la création artistique, dans le monde occidental essentiellement, de l’Antiquité à aujourd’hui, formuler une hypothèse d’ordre anthropologique et la vérifier.

L’institution parisienne dévoile les interprétations de différents artistes, interprétations  tour à tour flamboyantes et inquiétantes de cette nature inanimée, dont l’appellation « nature morte » apparue dans l’Antiquité, oubliée au Moyen- Âge et revenue en grâce à la Renaissance, ne parvient pas toujours à exprimer les spécificités de cet art vivant fait de bric et de broc, d’objets divers, de carcasses et de fleurs.

"Peintre, mais aussi écrivain, dramaturge et poète, Oskar Kokoschka apparaît comme un artiste engagé, porté par les bouleversements artistiques et intellectuels de la Vienne du début du XXe siècle. Par sa volonté d’exprimer l’intensité des états d’âmes de son époque, et un talent certain pour la provocation, il devient pour la critique l’enfant terrible de Vienne à partir de 1908 où, soutenu par Gustav Klimt et Adolf Loos, il inspire une nouvelle génération d’artistes, parmi lesquels Egon Schiele. Portraitiste de la société viennoise, Kokoschka parvient à mettre en lumière l'intériorité de ses modèles avec une efficacité inégalée."

Artiste sulfureux à ses débuts, il devient une cible privilégiée des nazis, qui en font le représentant d’un « art dégénéré » qu’ils souhaitent anéantir. Après avoir lutté par ses œuvres contre le fascisme, il devient après la Seconde Guerre mondiale une figure de référence de la réconciliation européenne et participe activement à la reconstruction culturelle d’un continent dévasté. Mais jusque dans ses dernières œuvres, réalisées au cours des années 1970, il ne se départira jamais de son intransigeance et de son invention créative.

L’artiste autrichien s’illustre par la radicalité de son style : en adoptant une touche nerveuse et des couleurs vives, il confère à ses portraits une intensité expressive inédite qui feront de lui un des précurseurs majeurs de l’expressionnisme.

"Près de 250 œuvres proposent une plongée au cœur de l’imagination débordante de ce touche-à-tout qui oscille entre sujets graves et légers. Le parcours témoigne à la fois d’un goût pour la modernité et d’une grande fantaisie créative. Le métro parisien et sa foule massée sur le quai, les habitués des cafés ou encore les salles de spectacles et leurs spectateurs inspirent l'artiste. Ses représentations de la capitale, avec leurs vues plongeantes, témoignent d'un goût pour les cadrages innovants.

Des sublimes paysages urbains de ses débuts, il évolue vers les scènes de genre, dont il est un véritable orfèvre. Ses vues plongeantes de la capitale, ses foules tourbillonnantes, ont la réputation de “donner le vertige” à quiconque y pose son regard. De son cadrage innovant naissent des toiles saisissantes, qui témoignent d’une maîtrise affinée des perspectives et du clair-obscur. Malgré son succès immédiat dans le genre, André Devambez s’affranchit rapidement des codes de l’académisme, en imposant son propre style, fantaisiste, moderne, indépendant et inventif, à travers de malicieux dessins pour enfants, des caricatures, des affiches et diverses lithographies…. Le tout témoigne d’une œuvre riche, sensible et débridée, au sein de laquelle l’humour s’acoquine avec le Grand Art."